El vicio del duende:
"Saben lo que quieren y lo quieren ya"

Los chicos de El Vicio del Duende sacan nuevo disco y vuelven a pegar donde tienen que pegar. Los ganadores del concurso Popyrock 2006 habían aprovechado su premio para grabar el LP “Mil y un desvelos” y no defraudaron. Ahora con su disco “Humo” mantienen el buen camino, demuestran que lo anterior no fue un golpe de suerte y que estan para llegar muy alto.

Se dice que los adolescentes no saben que hacer de su vida. Pero Ismael Castañosa, Daniel Valer y Daniel San Emeterio siempre han tenido claro que hacer: tocar rock. Darse cuenta de lo que querían surgió espontáneamente: “Empezamos como quien empieza a jugar a fútbol, teníamos mucho tiempo libre y lo gastábamos en aprender a tocar”, cuenta Isma, el cantante. Él fue quien “les metió las ganas de tocar” a Saneme y a Valer. “Aprendió un verano a tocar los primeros acordes y enseguida nos ‘pico el gusanillo’ a nosotros y empezamos a darle también”, reconocen sus amigos. Así se largaron a tocar.

Al principio eran “Rienda Suelta”, pero se enteraron “que había un grupo en Mallorca que se llamaba así, decidimos cambiarlo porque iba a ser lo más rápido y menos problemático”. El nombre actual se lo puso Valer, el bajista: “empecé a escribir nombres que se me ocurrían, hasta que llené un folio entero. La verdad es que este fue el que nos gustó a los tres, y el que más pegaba con nosotros”.

Era 2004. Pronto se embarcaron en la grabación de una maqueta, que salió a la luz al año siguiente. Se llamó “Vasos vacíos” y aunque la calidad no era la mejor, lograron plasmar su frescura y energía. Desde ese primer trabajo dejaron bien en claro que hacían rock estatal. Su estilo influenciado por grupos como Marea, La Fuga, Transfer o Despistaos llamó la atención de los fans de esas bandas y les hizo ganar seguidores rápidamente. Explicar las razones de su estilo es fácil: “Como siempre hemos escuchado ese tipo de grupos, nos han salido ese tipo de canciones”, dice Isma.

En los inicios tenían en la batería a Santiago Lahuerta, pero por razones personales se fue. “Santi no se involucró lo suficiente, no tenía las mismas ganas que nosotros”, señala Isma. Ese fue el primer cambio, lo que empezó como un juego se volvía un proyecto serio: estar en el grupo implicaba compromiso total. Para ocupar la batería llegó Kike, que les dio solidez. Cuando ganan el concurso Popyrock ’06 entre más de 160 participantes consiguen lo que todos los grupos nuevos buscan: promoción en los medios y apoyo económico. Tuvieron la oportunidad y no la dejaron pasar. Con el dinero del premio grabaron el disco “Mil y un desvelos”, que fue un puntazo. Sabían muy bien como lograr lo que querían: “Grabamos con Iker Piedrafita. Ya sabíamos como grababa y buscábamos el sonido que le saca él a los discos” apunta Saneme, “lo teníamos en mente desde que empezamos a componer", destaca Valer.

Aunque tuvieron que sobrellevar el alejamiento del batería Kike, porque “tenía que tenía que atender su trabajo y no tenía tiempo”, ellos siguieron para adelante. Ahora tienen a Huesos (Pablo Muñoz) como reemplazante. Valer ve que en este momento “el grupo esta muy bien, tocamos madera para que siga esta estabilidad ya que la salida de un componente siempre es un pequeño ‘bache’ que cuesta superar”.

Los chavales tienen las ideas bien claras. Ahora con su disco “Humo” han doblado la apuesta. Buscaron para la producción nada menos que a Javier San Martín, de los estudios Sonido XXI, que junto a su hermano Juanan ha producido a las bandas más importantes del “rock estatal”, como Barricada, Despistaos, La Fuga, Konsumo Respeto o Marea. “Probablemente los discos que más hemos escuchado los han grabado ellos, así que no lo pensamos dos veces en buscarlos”, señala Saneme. Si con la producción de Iker se habían convertido en un grupo profesional, con los excelentes arreglos que metió San Martín han subido directamente a primera división, cerca de las bandas que ellos admiran. En “Humo” cuentan con la colaboración de Rulo y Nando de La Fuga y Kutxi Romero de Marea. “Se lo propusimos nosotros, hemos escuchado sus canciones desde pequeños y nos hacía mucha ilusión que ellos colaboraran”. La ecuación es sencilla, si te gusta el rock estatal seguramente te gustará El Vicio del duende. Y aunque ellos dicen “no tocamos para hacernos famosos, lo hacemos porque nos gusta”, en su disco han escrito: “las montañas están para llegar a la cima”.

Rodrigo Conde

Para Mondosonoro.com

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Rodrigo Conde

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"Ego: Lo mejor de Las Novias"

Finalmente llegó “Ego”, el nuevo LP de Las Novias: sin dudas, lo mejor de su carrera. En charla con ellos analizamos tema por tema del disco que sale a la calle el 23 de junio y marca el regreso definitivo del grupo a la primera plana del rock, no ya sólo de Zaragoza, sino quizá de toda España.


Como una profecía, hace meses se viene anunciado la salida del disco que Las Novias tienen grabado desde octubre. Ya hace un año que sacaron su exquisito EP “Voilà”, que era como la premonición de una gran tormenta. Ahora el público podrá disfrutar de un disco poderoso, a la altura de su presagio.
“Ego” es el mejor trabajo de su carrera. Lo es porque la calidad de su sonido nunca antes llegó tan alto. Como productor, con su estudio Atmósfera, Nacho Serrano (de Niños del Brasil) ha sabido domar la bestia bruta de Las Novias. Sacó lo mejor de cada uno y redondeó todo con arreglos puestos en el lugar justo. Las guitarras de Oskar Diez y Pedro García suenan tan rockeras como siempre, pero ahora sorprenden con riffs más pegadizos. La batería de Nacho Til tira desde el fondo como el motor de un camión. La voz de Toño Leza no sólo llega a los mismos tonos altos y graves que antes, ahora también agrega momentos pop y giros románticos. Ha ampliado los matices, perfeccionándose. ¿Y sus letras? poesía pura, hace mucho que el rock no se apareaba de esta manera con la literatura.
El LP, que sale por el sello Autor, rivaliza con las supersticiones y tiene trece temas. Por el EP ya conocemos “Voilà” y “Eclypse”, que muchos pensaban que iba a ser el corte principal, pero no, ahora es uno más del arsenal. Cuenta Toño que “de la gente que ha escuchado el disco ninguno ha coincidido en cual es el tema principal, no es que hay una sola buena y el resto esta ahí”.
Todo arranca con “Cientos y cientos”, que mezcla punteos pegadizos y una voz pop intensa pero muy versátil. Con “Inercia” tenemos el primer hit. La fórmula ideal del rock: un estribillo que pega y unas guitarras simples que hacen mover. Oskar la definió como “la canción más Novias del disco”. Con “Davinia” pasamos a una melodía más oscura y lenta, aquí hay que descansar y dejarse llevar por su cadencia. La letra intriga y Toño da alguna pista: “aquí juego un poco al escondite, yo tengo claro quien es Davinia y precisamente no hace referencia a una mujer”. Otro golpe de efecto es “Siete Lenguas”, que “el grupo eligió como primer single”. El tema mantiene la misma fórmula de Inercia, pero aquí el elemento poético es muy fuerte y conmueve con su “Miento si es fragilidad / miento si es un desvarío / Siete lenguas quemaran / la venganza ideal”.
En otra línea esta “Incienso en el alma”, que es una balada sombría, quizá demasiado lenta, pero con unos susurros y un fraseo que sorprenden. Con esta canción sucede lo mismo que con “El sol dentro de ti”, “El rey del frío” o “Subtitulado”: no son las más llamativas del álbum, ya que quedan relegadas por el impacto que generan los otros hits. En realidad son canciones para una ‘segunda audición’, en la que los fans irán encontrando su riqueza a medida que las vayan escuchando.
Uno de los puntos más altos es la canción “Ego”, que arranca con la fuerza de los buffers y los sonidos raros que puso Nacho Serrano. Las Novias coinciden en que se trata de “una canción de rock casi épico”. Contamos algo que muy pocos sabrán: el cuerno que suena es nada menos que de “El Señor de los Anillos” (cuando el rey Théoden y sus jinetes se enfrentan a los elefantes).
Otra canción que brilla: “Estrella distante”, que es super dinámica y suena como el rock de moda, pero con una profundidad que ningún grupo actual tiene: habla de una maldita estrella que no los deja en paz y los impulsa hacia adelante... quizá una sutil metáfora de lo que le pasa al grupo, que pese a tanto tiempo fuera de rock, vuelven a la carga. El LP cierra con un bonus track: la reversión de Inercia que hace Toño en dúo con Morti, cantante de Skizoo, totalmente ochentera y bailable.
La verdad es que hay mucha carga emocional en “Ego”. Sus trece cortes hacen una recorrida por toda la historia musical de Las Novias, desde un pop comercial a un rock bien oscuro. Se nota que había muchas cosas guardadas que explotan ahora después de tantos años. En palabras de Toño: “Sabemos que es nuestro mejor disco. El más completo. Removerá el ánimo de aquellos que lo oigan para reclamar el lugar que merecemos”.

Rodrigo Conde

Para Mondosonoro.com

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Liga Quintana:
Estos franceses quieren conquistar España


(Entrevista publicada en Mondosonoro Nacional)

¿Un grupo francés que hace rock electrónico y canta en español? Si, es posible. A pesar de que es difícil ser verdaderamente rebelde en el siglo XXI, hay cuatro jóvenes de Grenoble que no siguen la moda del pop británico y no temen ser una rareza en el mercado independiente. De gira en gira recorren toda España trayendo con su disco “Fiasco Total” un rock sincero lleno de energía y algo de locura…


El cantante Piero Quintana pasó gran parte de su infancia en España. Él dice que creció con una cultura española a nivel musical y siempre cuenta esta misma historia: “he vivido en Zahara de los Atunes (Andalucía), en la década del 70’ mi padre tenía muchos contactos con artistas españoles, acompañaba con su cámara a una compañía de teatro itinerante en Andalucía. Luego unos amigos españoles vinieron a refugiarse a Francia en mi casa, por el problema del Franquismo”. Aún así eso no termina de explicar porque eligió cantar en una lengua que no es la suya, ni da razones a su rebeldía.

La formación de la Liga Quintana es heterodoxa, Piero es francés, al igual que el guitarrista David Litavicki, luego están los hermanos Tarricone, que son italianos: Simon en el bajo y Benjamin, teclados y batería. Piero aporta una voz oscura, sensual pero masculina (que inevitablemente recuerda a Bunbury) y escribe las letras, sumamente emocionales y directas. David, o “disco noise” como se hace llamar, da esos ruidos enloquecidos y sucios a los temas, fruto de sus influencias grunge-británicas. Los hermanos Tarricone (criados musicalmente en Grenoble) meten la electricidad a tope y por momentos se hace como una descarga tribal, casi hipnótica. En esa mezcla de lenguajes, culturas y ritmos es que se gesta el sonido de la Liga, como algo nacido para ser diferente.
Piero reconoce esa rareza que es el grupo, pero no lo ve como una desventaja, “pienso que no hay ningún problema que siendo francés cante en español, como lo hace Alan Adanowsky o Manu Chao. Lo importante es que nosotros tenemos emociones sinceras y alcanzamos a la gente íntimamente en todo su ser, con letras, ritmos y melodías. Por eso llegamos a un público muy amplio: rockero, electro, pop… también a jóvenes y ¡a gente de 40 y más todavía!”.
Como todo grupo independiente la Liga lucha para poder vivir sólo de la música y su dedicación es total. “Es nuestra prioridad, porque es nuestra vida. Lo más difícil seria vivir sin la música. Por cuestiones de dinero a veces tenemos que hacer pequeños trabajos para sobrevivir. Todo se soluciona apretándose el cinturón y trabajando mucho”. Ya son conocidos en el mundillo indie por la gran cantidad de conciertos que ofrecen: “hacemos unos 50 por año, aunque pensamos que no es mucho. Se necesita actuar más para existir. Los conciertos nos permiten entrar en el circuito, poco a poco”.
El grupo se la pasa de gira más por España que Francia, sobre todo por los pueblos y las ciudades del norte, principalmente Barcelona. Los cuatro tienen un gran gusto por la aventura casi hippie de “viajar, descubrir a nuevas personas, nuevas ciudades y las nuevas reacciones que va teniendo el público”. Piero sostiene que no puede decidir donde les gusta más tocar, “cada concierto tiene su importancia y nos gusta por una cosa u otra. Es verdad que hemos actuado frente a 3 o 4 personas, pero no fue algo desagradable. Nos acordamos mucho de los conciertos frente a 3000 personas, pero igual no son los mejores. En las ciudades siempre hay que ir deprisa y hay mas estrés”.
Ante la pregunta de que público es su favorito, si el francés o el español, el cantante de la Liga confiesa que “a todos nos gusta mucho actuar en España porque la gente entiende las letras y eso es muy importante para nosotros. El público español es muy receptivo a lo que hacemos y somos un poco más ‘libres’ psicológicamente. Así logramos ir cada vez más lejos en los directos, buscando algo cada vez más fuerte”.
La cuestión geográfica no es un tema menor para Liga Quintana, en la canción “Ansia de vivir” hay frases como “mi bandera no es la que crees, tampoco la que deseo” o “mi pueblo no es realmente mío, tampoco el otro”. Piero señala que “la gente nos conoce más en Francia, pero creemos que nuestro porvenir es España. Para el público francés no es problema que cantemos en español pero tenemos muchos obstáculos con sellos discográficos, la radio y los organizadores de conciertos”.
A tal punto llegan sus ambivalencias culturales que termina como entre dos tierras: “en Francia la gente piensa que soy español, pero cuando estoy en España a veces siento algo de hostilidad. Tengo un problema yo mismo con mi pertenencia, una rivalidad entre el país donde vivo y el país donde he crecido. Básicamente soy un apátrida”.
La Liga Quintana es un hijo de su tiempo, una banda que no podría existir diez años atrás, sin myspace y sin todas las posibilidades de promoción que da internet. Gracias a eso es que tienen un club de fans en México, lugar al que planean irse de gira. ¿Imagináis como se descontrolarían estos franco-italianos rebeldes en el Distrito Federal, con la intensidad con la que se vive el rock ahí?...
Ya son célebres por sus directos llenos de energía: “Hay momentos de tecno muy potentes, momentos de emoción y de improvisación total en los que todo puede pasar: saltar del escenario, tirarse al suelo, gritar, romper guitarras (jaja)… Por ejemplo en un festival este verano David destruyó totalmente su guitarra, ¡en la intro del concierto!”.
Cuando uno ve a Liga Quintana en directo es difícil no dejarse contagiar por la fuerza que ponen todos los integrantes en el escenario. Se ve la ilusión y la emoción, pero sobre todo el talento y la entrega total. “Hacemos todo ¡si!, montar giras, discos, promo, visual. Lo hacemos al 300 por ciento, esto no se puede hacer a la mitad. Estamos totalmente comprometidos con el proyecto y no tenemos plan B. No planeamos nada, no sabemos lo que va a ocurrir”.

Rodrigo Conde

Para www.mondosonoro.com

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Sus temas se presentan con una estructura pop, sin nada muy complejo ni pretencioso, sin embargo, cuando su música se despliega por completo hay un desborde de energía tan grande que más que cantar las letras, el público tiene ganas de empezar a saltarlas. Los Estige realmente rockean, invitan a mover la cabeza sin parar, tanto con sus ritmos más rápidos como con sus melodías más lentas. Nadie puede decir que Phoenix no sea un buen disco. Ellos lo saben. “Es el trabajo más maduro que tenemos, en el que hemos conseguido un sonido más personal. La diferencia con los otros discos es la estabilidad del grupo y las ganas comunes de llevarlo adelante”.
Es su cuarto álbum, luego de los demos “#1”, “La buena-Mala vida” y el LP “Olímpica”. Han pasado por muchos cambios en la formación, pero la base que se mantiene es la de Alex Mariona en voz y guitarra y Javi Polo en batería y percusiones. A ellos se sumó en 2006 Dani Betrán en bajo, dando la solidez que les faltaba. Además para los directos cuentan con Pablo Malatesta, que hace todo tipo de arreglos. “El tiempo y el ritmo de vida es lo que impide estar en un grupo como el nuestro. Cuando alguien falta a los ensayos constantemente, es síntoma de que ya no quiere (o no puede) seguir en el grupo, y ese ha sido nuestro caso. Igual hay que aclarar que somos grandes amigos de todos los ‘extiges’ (jeje)”.
Sabiendo lo que tienen en las manos y después de ganar el concurso Muévete 2009, los Estige se dan cuenta que este disco es un momento clave de su carrera, el que esperaban hace tiempo. “Phoenix es una metáfora del renacer que sufrió el grupo. También representa lo que te puede hacer sentir la música, ayudándote a superar etapas personales complicadas. Es algo importante en nuestras vidas”, cuenta Javi.
Este LP se diferencia mucho de sus otras grabaciones, sobre todo por la calidad sonora. Phoenix implica un salto cualitativo innegable, le da a la banda un trabajo en estudio que refleja lo que venían haciendo en directo. Toda esa energía que recibía sólo el público que iba a sus conciertos, ahora también puede recibirla la gente que escucha sus temas por internet. “La verdad es que todas las grabaciones tuvieron muy buena acogida ya que la respaldábamos con un directo enérgico y con mucha fuerza, pero no teníamos muchos medios para trabajar los temas como tenemos ahora y eso se nota en el resultado final”.
Al ganar el Muévete se llevaron 5 mil euros en metálico más 4 mil en material musical y además la edición del disco. Los Estige explican que tan importante ha sido eso: “estábamos en un punto complicado y ganar el concurso ha facilitado mucho las cosas. Nos la hemos jugado y nos ha salido bien”.
El premio simplifica bastante las cosas, pero aunque tengan más promoción y la edición del disco asegurada, la forma de trabajar se mantiene. Ellos aseguran que continúan con “el rumbo que tenían pensado”, ya que su mentalidad es la misma: “nunca nos habíamos imaginado siendo ganadores de nada y quizás por eso no nos ha cambiado en lo absoluto. Seguiremos con el mismo plan: ir de cervezas con amigos, tocar con gente que admiramos, dar conciertos de esos que nos emocionan y grabar algo de lo que sentirnos orgullosos”.
Aunque muchos digan que no es bueno ponerle etiquetas a la música, es un vicio que cometemos todos, porque lo necesitamos. Con Estige no resulta nada fácil eso, su estilo es difícil de ‘empaquetar’. Si le preguntamos a ellos, sostienen que se definen “como un grupo que hace canciones, ante todas las cosas, esa es nuestra única etiqueta posible, porque no buscamos aproximarnos a estilos. Alguna vez hemos dicho (medio en broma) que hacemos pop-metal, por ser dos estilos aparentemente opuestos. Pero cuando nos enteramos de que los Europe también se definían como pop-metal, pues ya no nos pareció tan bien…”
Estige tiene ahora todas las chances de conseguir ese éxito que hace tiempo se les viene prometiendo por su talento. Han ganado premios, la crítica los alaba, sólo les falta llegar al gran público. “La verdad es que hemos estado demasiado tiempo encerrados creando Phoenix y eso ha supuesto un bajón de conciertos. Si no tocas pierdes contacto con la gente. Ahora el plan es totalmente distinto: tocar sin parar”.
Son muchas las bandas independientes que buscan su lugar en el mundo del rock. Pocas lo encuentran. Para las que recién empiezan la lucha, los Estige han pensado estos consejos: “Los sueños son gratis pero hay que trabajar muy duro para conseguirlos. No os creáis los cumplidos, meteos en el local hasta que de vuestros instrumentos salga la música que os gustaría escuchar. Y lo más importante: ved Spinal Tap”.

Versión completa de la nota publicada en Mondosonoro de Abril

Nota también publicada en Paisajeselectricos.net

Rodrigo Conde

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HHH es una banda de Huesca que sale a la calle con un primer LP cuyo único título es una marca de “tres haches o una cicatriz”. Y no solo sorprenden por eso, si no también por su excelente producción autofinanciada. Los ganadores del Tremendo Pop Festival, a diferencia de casi todos los grupos que empiezan con un modesto EP, tienen un disco con once temas en la mejor calidad sonora.

Ya por su nombre llaman la atención: “Es un fragmento de La Naranja Mecánica de Kubrick. Buscábamos un nombre que despertara curiosidad y elegimos este porque tiene un punto de simpatía, de sarcasmo y de descaro”, explican ellos. Con las letras de sus canciones pasa algo similar, ya que con gran ironía y “un poco de resentimiento contra la gente en general, hablan de dilemas morales, miedos e incertidumbres del día a día”.
Hola Hola Hermanita esta compuesto por Bob en la voz, Gelu en guitarra, Gonzalo en teclados, la señorita Chama en bajo y Bruno en batería; así sin más, sin apellidos, porque lo prefieren ellos. Ninguno vive de la música y todos tuvieron que poner de su bolsillo para la grabación del disco, que se hizo en el excelente estudio Pirenaaudio. Gelu cuenta la clave para poder financiarse: “la verdad es que el trafico de estupefacientes a la salida del colegio suele dejar bastante dinero (jaja). Bueno, en realidad ha sido un gran esfuerzo por nuestra parte tanto en lo económico como tanto en lo económico como en lo personal, pero lo interesante es no pensar cuanto costo, sino si lo hiciste bien”.
Todos los integrantes vienen con mucha experiencia en otros proyectos y señalan que “al provenir de campos tan dispares como el jazz, el rock o el punk, hace que nuestro sonido sea peculiar pero a la vez muy cercano y familiar”. Bob además de cantar toca la guitarra y experimenta con el violín y la bandurria, viene de proyectos relacionados con el folk. Gelu ha estado siempre metido en el mundo del punk. Chama es la única con formación musical y trabaja dando clases, ha estado en bandas de blues y jazz. Gonzalo pasó por el rock, el pop, así como también jam sessions. Bruno tiene una larga experiencia en el hard rock y el rock industrial.
Este cocktail de estilos y experiencias es el que le de ese sabor tan original a Hola Hola Hermanita. Ni hablar de las letras, que desbordan ironía y acidez, aunque también un triste romanticismo. “Intentamos jugar bastante con la metáfora y no decir las cosas directamente. Ironía hay mucha, es la acidez la que domina nuestras vidas. Claro que también hablamos de desamores, pero no queremos ser un grupo que hable sobre ‘lo mal que lo paso si me dejas’, sino mas bien dar un toque de atención a esa gente que no ve que están pasando un montón de cosas a su alrededor que deberían preocuparles. Eso si es triste. La verdad que el disco no es precisamente alegre”. Otro ingrediente original es la forma en que escriben, ya que “las letras están compartidas por Gelu y Bob, pero casi nunca juntos, sino que hay un entendimiento entre los dos para que si uno empieza la letra el otro capta lo que quiere decir y la acaba. Esto hace que puedan ser algo curiosas”.
El tema de ‘no hacer las cosas como el resto’ parece ser una fijación en HHH, por eso en cuanto a la composición musical, aunque el encargado principal sea Gelu, “es realmente en el local donde se trabaja todos juntos, se exprime o se cambia el concepto y cada uno aporta su punto de vista y se entrecruzan muchas voces y melodías distintas. Es lo mas aproximado posible a una jam session”.
Por lo pronto este primer disco está teniendo muy buena acogida y aunque están en Huesca van alcanzando a los círculos indies de todo el país. La venta del CD va lenta, pero las fechas para tocar van en aumento, igual que las visitas a su myspace, que ya son más de 16 mil. “Hemos notado que al aparecer desde los círculos de las grandes ciudades ha habido miradas como diciendo ¿y estos quienes son y de donde han salido? Y se ha generado una curiosidad que nosotros agradecemos. Esperemos que eso nos sirva para que poco a poco el proyecto vaya entrando en esos círculos”.
Aparte de ganar el concurso provincial del Tremendo Pop Festival, en el que han participado grupos de la talla de Vetusta Morla, Standard o Lori Meyers, se quedaron con el concurso Desvandfonik que les permitió tocar en el Polifonik Sound 09 de Barbastro. Además les han hecho varias entrevistas en medios independientes de Madrid y Barcelona, han aparecido en un recopilatorio de talentos de Myspace08 y estuvieron dos meses en el top ten nacional de Dj Batidora (residente en la sala Razzmatazz). “El proyecto ha tenido casi más repercusión fuera de Aragón. Esto no quiere decir que nos olvidemos de nuestra comunidad, pero hoy en día la música es universal y globalizada y no nos podemos poner fronteras, sino que lo que se trata es de llegar al máximo de público posible”.
Ironía, mezclas, originalidad y trabajo en grupo son palabras claves para cualquier ‘holahermanitero’ que se precie de tal. A los que aún no lo son hay que avisarles que al escucharlos les puede suceder lo que pasa cuando nos encontramos ante algo raro: lo amamos o lo odiamos, pero seguro que no lo olvidamos. Por eso, si alguno se topa con el disco que tiene la marca de seis rayas verticales y una cruzada es bueno estar prevenido y saber que significa: “lo principal es que son las tres H de Hola Hola Hermanita, además, es una cicatriz, son arañazos y, bueno, es la marca que haría cualquier preso al pasar una semana, que es un poco de donde venimos por el trafico de estupefacientes (jeje)”.

(Versión completa de la entrevista publicada en Mondosonoro Aragón de marzo)

Rodrigo Conde

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“Siempre he vivido de la música. Trabajando como compositor para teatro, danza, cine o haciendo producciones. Además de tocar en directo, doy clases. Así hago difusión de la música de América del sur, porque hay trabajos de calidad que no tienen la promoción que se merecen”. Ha estado junto artistas tan diversos como Carmen París, Willy Jiménez & Chanela (flamenco), Gabriel Sopeña (poesía), Osvaldo Fattoruso (de Los Shakers uruguayos), el grupo Los Especialistas (fusión), Gladston Galliza (de Brasil) o Carlos Aguirre (de Paraná, Argentina). Bebió de todos ellos y con su banda, Coco Fernández & Company, plasma la fusión de esos estilos con personalidad.
Este disco le costó su tiempo, nada menos que siete años: “Un pintor puede tardar años en una obra importante. Para mí, una canción acabada es como un cuadro. Este CD es una colección de trece cuadritos”. Más allá de las dificultades que tuvo en la auto-producción, Coco explica que “si tardé ese tiempo no es porque haya trabajado de continuo sino que me tomaba el tiempo necesario para madurar cada paso del proceso”.
Se nota que hay mucho sentimiento puesto en el disco. En los agradecimientos del libreto de su CD (que tiene un cuidado arte y diseño) se puede leer: “siento como si toda mi vida hubiera sido una preparación para llegar hasta aquí”. Él mismo reconoce la relevancia de este trabajo en su carrera. Más allá de las numerosísimas colaboraciones que ha tenido, con una lista de artistas aún más larga que la nombrada anteriormente, Coco muestra en “La cabeza sonando” su faceta mas individual, su lado de cantautor que no puede desarrollar cuando trabaja en los proyectos de otros artistas.
Después de diecisiete años viviendo en España ha hecho de todo, además de casarse y tener un hijo. “Con Carmen París grabé sus primeros dos cds. A Willy Jiménez & Chanela le produje su segundo trabajo. Con Especialistas estuve de gira durante cuatro años y con Sopeña toqué en directo entre 1995 y 1997”. Este es su segundo LP, el anterior había sido en 1998 y se llamó “En la Madrugada”. Sin embargo, no se trata del final del camino: “el nuevo disco no es un resumen de mi trayectoria, porque el anterior es bastante distinto. Creo que en realidad refleja mi personalidad artística hoy por hoy. Pero dicha personalidad está en un cambio constante y no sabría decir cómo seguirá a partir de ahora”.

Fotos: Andrés Amorós

(Versión completa de la entrevista publicada en Mondosonoro Aragón de marzo)

Rodrigo Conde

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Teocida en voz, la electrónica y composición, David en guitarras y letras, Jaime en batería, Kintana en bajo y el cibernético BiOmCaniC en guitarra, le dan vida a Corpore, “un grupo de metal contundente” como ellos mismos se definen. Son jóvenes que crecieron bajo la influencia del New Metal pero que a la hora de hacer su música han desarrollado tantos matices que ya no puede etiquetárselos.
Su sonido golpea con guitarras poderosas pero refinadas, que van desde el Death, el Metalcore, el Trash hasta el Heavy y el Rock, con letras angustiantes y una voz que puede pasar en una misma canción de un registro casi pop a gritos podridos.
¿Cómo consiguieron estos chavales un producto de tanto nivel?: “A base de esfuerzo y motivación, haciendo todo nosotros. Fundamentalmente es cuestión de trabajo en equipo, gusto por las cosas bien hechas y mucha autocrítica”.
El disco se grabó en “Estudios Teocida”, que es una forma original de decir que fue “totalmente hecho en casa”. Por eso es tan sorprendente su calidad sonora. El mismo Teocida es quien trata de explicarlo: “llevo seis años grabando grupos musicales de Aragón, como soy un friki del metal tengo muy claro el sonido que quiero conseguir y pongo mucho ímpetu en obtenerlo”.

Corpore tiene además una excelente página web, algo fundamental para la promoción de un grupo independiente. Biomcanic es quien se encargó íntegramente de la realización de la web y de las fotos, pero aunque pareciera hechas por un profesional, aclara: “no tengo ningún estudio relativo a diseño web, fotografía o video, soy totalmente autodidacta”. Él también fue el realizador del poderoso videoclip del tema “Nocivo” -otro golpe de acierto- que admite fue su primer montaje de video.

(Versión completa de la entrevista publicada en Mondosonoro Aragón de marzo)

Rodrigo Conde

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“El objetivo de Mister Hyde es lograr ser un grupo masivo”, de esta máxima parte Alex Elías, cantante y compositor de la banda zaragozana que cada vez da más que hablar. Las cosas van bien encaminadas, en apenas cuatro años de existencia han cosechado premios, halagos de la crítica y fans que se multiplican con cada show. Si con el disco “Vulnerable” dieron un primer paso muy firme, con “Fantasmas” lo que hicieron fue dar un salto (de varios escalones). El EP hace semanas está colgado en su myspace y el tema “Laberintos en la tierra” ya lleva más de 3400 escuchas.
Pero llegar al gran público no es tan fácil, sólo con el talento no basta, ¿cuál es la fórmula?: “Hoy en día el mercado está patas arriba. Nadie sabe lo que va a triunfar y lo que no. Lo que a priori parece ultra comercial, luego no funciona y grupos independientes como Vetusta Morla o Violadores del Verso llenan salas y venden miles de discos. El mejor arte y la mejor música se hace siempre desde la independencia. Que luego eso llegue al gran público o no es cuestión ajena al artista, depende de factores de marketing y promoción”.
Los chicos de Mister Hyde pasan por un momento clave en su carrera: además del nuevo EP, están en las semifinales del concurso Muévete en Directo y estuvieron nominados como “Mejor banda” en los X Premios de la Música Aragonesa, que finalmente se llevó Amaral (nada menos). Pero en las instancias decisivas, en las que los zapatos aprietan más, es cuando sale lo mejor: “Ahora nosotros nos exigimos mucho más que hace dos o tres años. Sabemos que cada paso que da el grupo es seguido por más gente y por más medios de comunicación y eso hay que saber corresponderlo. Por eso con Fantasmas hemos intentado dar un paso adelante. Porque Mister Hyde es un grupo que avanza, con cambios y experimentación”.

Aunque a primera vista pareciera que Mister Hyde busca seguir la moda, esta banda tiene en claro que con personalidad es como se logra destacar entre la multitud de grupos que existen actualmente, “nosotros no buscamos acomodarnos al mercado musical actual pero tampoco queremos elegir a un público determinado. Queremos estar abiertos a cualquier tipo de público sin hacer concesiones en nuestra música ni en nuestra actitud”.
Estos chicos van a por todo y tienen con qué. Atrás de la voz melosa de Alex hay una banda con mucha energía: Iván Berrendo en la guitarra, Jorge Sánchez en el bajo y Nacho Celaya en batería sudan la camiseta en cada concierto y la fuerza de sus directos es la clave que los hizo famosos en Zaragoza. “Nos gusta tocar en escenarios grandes por la potencia del equipo y las luces, pero en salas pequeñas también porque la comunión con el público es mayor”.
Y la energía va aumentando a medida que se hacen más conocidos, ya que “el público ahora es mucho más receptivo que hace dos años, ahora ellos se saben las canciones de memoria y las cantan en nuestros conciertos. Esto provoca una gran conexión grupo-público que hace que salgan tan buenos conciertos”.
Internet es un aliado fundamental de las bandas independientes a la hora de difundir sus trabajos y los Mister Hyde son un ejemplo paradigmático de todo lo que se puede conseguir con autofinanciación y talento: No tienen contrato con ninguna discográfica, su nuevo disco fue grabado en Origamix Studio y producido por Toni D. Nuevo y el mismo Alejandro Elías. No poseen mayores medios de difusión que su propio myspace, donde se pueden escuchar los cinco temas de su EP, igual que en la página virtualalbum.es, “nos parece una plataforma que puede llegar a mucha más gente, pero es algo complementario, pues la edición física de un disco es imprescindible. En el plazo de unos meses saldrá el CD en un sello discográfico zaragozano, con varios temas extra de regalo”.

Los Mister Hyde se han consolidado en su tierra y aunque ellos “no quieren dejar nunca de ser una promesa”, la verdad es que son una realidad que promete mucho más. Quieren seguir avanzando y se han propuesto un desafío aún mayor: “el objetivo principal para este 2009 es salir fuera de Aragón a tocar. Tenemos cerrados ya dos conciertos en Madrid en febrero. Sabemos que es ahí es donde está la industria y las discográficas, queremos darnos a conocer allí".

Fotos: Gustaffroom

(Versión completa de la entrevista publicada en Mondosonoro Aragón de febrero)

Rodrigo Conde

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Todos tienen algún conocido que es argentino y seguramente muchos se divierten con su acento empalagoso y frases como “¡buenísimo, che!” o “¿qué hacés, boludo?”. Pues todos esos están de parabienes, porque el Ayuntamiento de Zaragoza organiza del 27 de noviembre al 8 de marzo de 2009 una amplia serie de exposiciones acerca del arte y la cultura de Buenos Aires.

La muestra pasa revista de sus íconos más conocidos, como el fútbol, el rock, el tango, el cine y la literatura, pero también el diseño gráfico, el fileteado, el reciclado de cartones, arte urbano y política de derechos humanos.
El eje del evento será el Centro de Historia: estarán las exposiciones fotográficas Tango y Buenos Aires Rock, las dos bandas sonoras de la ciudad, su pasado y presente. Habrá una muestra sobre Borges (uno de los más grandes escritores latinoamericanos) en sus diferentes viajes por el mundo. Para los amantes del diseño gráfico está la selección de trabajos de Liniers y de Alejandro Ros, dos de los ilustradores iberoamericanos más destacados. Además se expondrá material gráfico y audiovisual preparado por la Universidad de Buenos Aires, con cátedra incluida, ideal para estudiantes. Algo imperdible es la exhibición del Fileteado Porteño, a cargo de Alfredo Genovese “un maestro” de este arte de dibujar flores, hojas de acanto o volutas combinadas con personajes y frases populares… él estará y dará una charla. También, para los que les gusten los aerosoles y el arte urbano, habrá una intervención del colectivo Buenos Aires Stencil, famosos por su graffiti “Disney war” (carita de Bush con orejas de Mickey). Una editorial de libros que parte del reciclado de cartones es algo que se empezó en Buenos Aires de la mano del grupo Eloísa cartonera y también estará presente en este ciclo. Obviamente no podía faltar una exposición sobre fútbol, la gran pasión argentina: fotos sobre potreros, videos de hinchas, audio de relatos de goles y un texto de (el casi dios) Diego Maradona, y si, el “barrilete cósmico” está siempre con los argentinos.
El ciclo también tendrá su momento político, ya que habrá una obra del Teatro por la Identidad, grupo que es el brazo artístico de las Abuelas de Plaza de Mayo: las incansables luchadoras que localizan a los hijos de las víctimas de la represión del gobierno militar argentino del 76. Incluso la presidente de la agrupación, Estela de Carlotto, ofrecerá una charla-debate sobre los Derechos Humanos.
¿Y música?, habrá y mucha. Estará en la fiesta de apertura del 27 de noviembre en el Centro de Historia, animada por el Colectivo Zizek, un grupo de Djs de vanguardia que mezcla cumbia, reggaetón, hip hop, folclore y mashups… un cóctel explosivo. Para el 4 de diciembre habrá una cita con la melancolía del tango: Pato Badian y Hernán Filippini ofrecerán un show íntimo y minimalista, narrando historias de la ciudad Reina del Plata. El pop rock también estará presente, gracias a Gabo y Lisandro Aristimuño, que tocaran el 15 de enero en el espacio Hokus Popkus en Espoz y Mina 25. Finalmente se tendrá el Festival Quilmes Rock, el más importante de Sudamérica con 200 mil asistentes, se hará en la Sala Oasis el 20, 21 de febrero y tendrá la cobertura de importantes medios argentinos. Como si todo esto fuera poco, también se proyectarán diez películas íntimamente relacionadas con la ciudad.

Rodrigo Conde

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Los fanáticos que presenciaron el show de Las Novias en las fiestas del Pilar de octubre pasado no podían dar crédito a lo que veían y oían: después de 6 años sin tocar, el grupo sonaba con más fuerza que nunca, con una energía contagiosa. Era el regreso de un mito. Las primeras señales de vida la habían dado unos meses antes, cuando colgaron en su página web el tema Eclypse: “El balanceo desigual / la arena seca del reloj / una saliva encerrada en tu olor / la carta escrita al revés con nueve besos de carmín / una escalera sin peldaños que subir”. Sólo estas metáforas y un potente riff alcanzaron para reconquistar sus dominios.
Los años parecen no pesarles: “con el tiempo afrontamos el desnudarnos musicalmente sin tanto pudor y hace que disfrutemos más de todas las sensaciones que transmite la gente, pero siempre nos ponemos el listón de auto-exigencia bastante alto y eso nos previene de algún conformismo”. Es verdad que las cosas ya no pueden volver a ser iguales, pues ya no cuentan con el batería Roberto García, que está radicado en Belgrado. Nacho Til tomó la posta y además de “hacer que baje la media de edad”, aporta sangre nueva al histórico trío de Toño Leza en voz y letras, Oskar Diez en guitarra y Pedro García en bajo. “Es difícil después de estar tocando toda una vida con el mismo batería adaptarte a alguien nuevo. Roberto era una pieza de relojería suiza y sustituirle entrañaba que el reloj se retrasase, pero Nacho ha facilitado que no hayamos perdido tiempo”.
Tras el emotivo regreso en las fiestas del Pilar también en Zaragoza han tocado en La Almozara, después en Madrid y Barcelona, donde se reencontraron con sus numerosos seguidores luego de 12 años. En julio se encerrarán en los estudios Atmósfera bajo las órdenes de Nacho Serrano, de Niños de Brasil, que ya había producido su disco “Largo tiempo esperando” del 98. Ahí darán vida a su nuevo LP que se editará para septiembre-octubre, será apenas el cuarto disco en 20 años de carrera. Seguramente incluirá el tema Eclypse, que ya tiene el aura para ser un clásico, de las canciones Voilà y Hiatus (que forman parte del actual EP) alguna quedará fuera y se transformará en una rareza de coleccionistas.
Las Novias ya están de vuelta, con un sonido que ha evolucionado pero que mantiene su impronta personal, siempre lejos de las etiquetas. “Si hay que definirnos seríamos Ultraístas, pues nuestra trayectoria sería un intento de ir ultra (más allá) del entorno social, musical y vital que nos oprime”. Quedó atrás esa etapa en que eran considerados un grupo siniestro o gótico, hay ahora una sutileza en sus temas que hace que su fuerza se parezca al sabor de un vino de reserva. “Cuidamos mucho, como un enólogo, el proceso de creación de una canción y eso incluye las letras y las melodías. Hay un componente poético inevitable que hace que sean más accesibles a la intuición que al entendimiento. Nuestras letras no son prosaicas ni se ocupan de experiencias obvias, eso las acerca a la poesía, pero no somos Leonard Cohen, ni es nuestra intención ‘musicar textos’, nuestras raíces están en el after punk, en los sonidos oscuros de los 80 y 90”.
Llegaron a vender 15 mil copias con su primer disco “Sueños en blanco y negro”, estuvieron fichados por la multinacional Polygram, entre el 94 y 95 llegaron a realizar 30 conciertos: quizá Las Novias podrían haber llegado tan lejos como Héroes del Silencio, sus coterráneos, pero las cosas no salieron tan bien... “Honestamente, nunca pensamos en llegar tan lejos como los HDS. Mientras Bunbury se miraba en el espejo de las grandes estrellas de rock -Bowie, Morrison-, nosotros preferíamos hacerlo en los grupos de culto. Despreciábamos la música comercial y el éxito masivo. Nuestras miras eran más modestas: grabar discos y hacer conciertos, pero incluso esto resultó ser tremendamente complicado”. Aunque ellos dicen que “en ningún momento hubo peleas ni situaciones impropias de gente educada”, súbitamente dejaron de tocar en vivo, solo reapareciendo de vez en cuando, como un fantasma. “Hubo una situación de desgaste, que acabó colapsando la vertiente creativa y profesional. Apenas había actividad cerebral, lo que se tradujo en un periodo de afasia musical. Ante eso lo mejor era darse un tiempo y situarse a distancia para ver si era más fuerte el influjo y la atracción del grupo y esperar el momento para volver exorcizados”.
La hora llegó, ya no hay que vivir de recuerdos, este podría ser el tiempo de las cosas que luego se recordarán. “Nosotros creemos que nos merecemos muchísimo más de lo que la realidad se va a encargar de proporcionarnos, pero no nos importa. Necesitamos de esto, es absolutamente adictivo".

Rodrigo Conde

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Es difícil encontrar algún músico de Zaragoza que no sea admirador de Héroes del Silencio, la banda Zarápolis (que ya viene en su nombre con la marca de origen) no es la excepción. Con su primer CD, “Ladrón de orquídeas”, vienen a ratificar que el viento Búnbury sigue soplando en la ciudad igual que el Cierzo, pero con nuevos matices.

Luis es la voz y líder de Zarápolis y aunque su apellido sea el nombre de la banda, aclara: “yo era reacio a ponerle así, pero tras una votación el grupo decidió eso”. Viene rockeando desde 1992, con Vienna, pasó por varias formaciones, como Noviembre, y estuvo 3 años como solista. “He trabajado con tantos grupos y hay muchos demos, pero nunca se llegó a grabar un cd, así que El Ladrón es el primer cd de mi vida”.
El disco empieza con la fuerza melosa de “Perfecto desconocido” y es un primer paso enérgico que demuestra las convicciones de Zarápolis. Energía positiva que se vislumbra en Luis, que con el nacimiento de su hijo Germán y este CD, ve nacer las flores luego de algunos años oscuros. “Están siendo momentos muy emotivos, mi hijo me ha llenado muchos huecos personales y el disco está plasmando físicamente el trabajo de un montón de años. Ya era hora de que me pasara algo bueno en la vida, je”.
Para que de este árbol maduro salieran las flores hizo falta la ayuda de un hada. Y no se trata de metáforas, sino de Cuca Moreno, cantante de Hada Química. Ella es una gran amiga de Luis y produjo el álbum con su discográfica alemana Pridefield Records (al final, no todo es “made in España”): “Como ella reside en Alemania la creación legal del sello está ahí. Es evidente que hay una gran amistad entre los dos, pero no por esto se ve obligada a tener que sacar nuestro disco, de hecho, es en mitad de la grabación donde empezamos a hablar de la posibilidad de fichar para Pridefield”.
La unión de gente de diferentes grupos de Zaragoza es una de las claves que hacen a Zarápolis un hijo de su tierra. El bajista Diego Sangros y el baterista Alejandro Andrés son de Crisálida, los teclados de Diego Martelli son también de Insulina Morgan, Decalles y Los Martelli, en tanto Nacho Lampreabe pone su guitarra en Lana Lee y Korvac. Por eso Luis puede decir que junto a él no tiene una banda, sino a toda una ciudad. Y eso sin contar que Ladrón de Orquídeas estuvo producido por Rafa Domínguez y colaboraron figuras como Jorge Calavia, Carlos Valledor, Santi Rex y Gonzalo Valdivia. Así se va conformando la imagen de Zarápolis: “la identidad de un grupo se crea en el momento que transmitimos las emociones que da una canción. Pecamos los músicos de ser muy individualistas y eso es un error. Lo mejor es sentarse a oír la canción y aportar aquello que te está pidiendo a gritos”.
El primer objetivo está cumplido, ya tienen su disco en la calle. Ahora queda seguir trabajando y soñando para que las flores se conviertan en frutos. “Todos querríamos vivir de esto, pero hace años que dejé de pensar en ello. La discográfica es un sello pequeño e independiente que se está volcando al cien por cien con nosotros, pero no aspiramos a salir en grandes medios. Esperamos que llegue a la mayor cantidad de personas, aquellas que quieran sentir algo de verdad, auténtico”.

Rodrigo Conde
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El cantante Gaby Requena fue ese joven que en 1998 le cambió el nombre a la banda que lideraba y de Los Faltones nació Insulina, fue como sacarle la costilla a Adán para crear a Eva. Al poco tiempo se le unió el bajista Jorge Oliete, un inseparable. Mucho ha cambiado: tuvieron dos guitarras, pero en el 2004 se fue Gregorio Rodrigo y sólo quedó la de Gaby, dejaron de lado el saxo (de Jorge Calavia), reemplazaron en el 2001 al batería Marco Rodríguez por Jorge García y hace tres años llegó el tecladista Diego Luis Grau, que puso el toque original que necesitaban para renovarse.
La clave para sobrevivir a tantos vaivenes parece ser simple: “cada vez que ha habido un cambio en la formación ha sido un nuevo reto, pero nuestro amor por la música nos ha unido en cada momento de dureza y nos ha hecho continuar con el proyecto Morgan”. Sin dudas, la banda ya dejó de ser la aventura de unos chavales. “Al igual que en la vida se madura y no es lo mismo cuando tienes dieciséis años que cuando cumples más de treinta. Te das cuenta que la música ya no es un hobbie y deja de ser la típica conversación de bar para decirle a una chica que tocas en un grupo haber si cae algo. Pasa a ser algo más trascendental, aparte del habla es nuestra forma básica de comunicación y de escape a una vida común”.

Tras los golpes el grupo se hizo más fuerte, siempre bajo la bandera de la amistad, que entre Gaby y Oliete es cosa seria: “menos acostarnos, hemos hecho de todo juntos”, reconocen. Y con el resto del grupo es igual, “la relación de amistad es muy importante a la hora de subirse a un escenario, en cada concierto pasa algo nuevo y aunque nos enfademos al fin y al cabo esos enfados pasan y te quedas con la experiencia vivida, que sin duda une más al grupo”.
Así fue como los chicos se hicieron músicos adultos y ahora tienen su primer disco. Es verdad que tardó en salir a la luz y ellos explican muy claro el porqué: “ha sido un parto duro, pero es así, si no hay dinero no hay chufletes, estamos en Zaragoza y aquí no viene nadie a fichar grupos, cada vez hay menos sitios para tocar y los que hay se han vestido de un elitismo que repugna”. No es la primera vez que graban, habían hecho maquetas en el 99 y el 06 que costearon ellos mismos. La última fue muy importante porque “se vendió muy bien y gracias a ella concursamos en el Muévete que ganamos, además de actuar en diferentes salas”.
Insulina Morgan no es un grupo que les interese tanto el éxito, tienen su convicciones y no se mueren por ser rockstars: “ganar el Muévete está muy bien, pero llevamos mucho tiempo con un nivel que creemos alto y el concurso fue mas bien un justo reconocimiento por estar ahí año tras año sin dejar de creer en lo que hacemos”.
Hay que decir la verdad, a ellos lo que más les importa es pasarla bien y por eso su disco tiene un estilo tan festivo. Se hace evidente en temas como “Narciso”, “Necesito mejorar”, “Haz que cada día cuente” e incluso “Rimas y lamentos” que con la frase “yo quiero ser feliz y no morir en el intento” hacen toda una declaración de principios. Pero también se nota mucho el paso del tiempo y en “Segundos” o en “La caja de los recuerdos” se les escapa la melancolía de las guitarras. Las letras no son para romperse la cabeza interpretándolas, son directas, con un poco de ironía y bastante humor. Ése es el sonido Morgan, “un sello propio desde sus inicios: rock de los 80 retocado ligeramente con ritmos latinos, un rock de pura base que en diez años lo único que ha pasado es que se ha ido matizando y madurando”. A fin de cuentas podrán pasar los años, pero el espíritu adolescente se mantiene siempre: “nosotros somos una especie de anarquistas de la vida, no nos gusta que nada se nos quiera imponer y para pelear nuestra mejor arma es el rock ‘n roll”.

Rodrigo Conde

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Fue cantante de The Los Nervios. Estuvo de gira con el argentino Federico Aubele, tocando el bajo. Acompañó como guitarrista a Santi Rex, de los Niños de Brasil, la mítica banda con la que grabó el maxi “Ángeles y Demonios”, en el que compuso el tema “Estrella Fugaz”, ganador del premio a la Mejor Canción Aragonesa 2007. Ahora “el quinto niño del brasil” sacará su disco solista y con semejantes antecedentes se sabe que cumplirá aún más de lo que promete.

Jafi Marvel bien podría ser considerado un joven poli-artista itinerante: nació en Zaragoza, se fue a Barcelona, viajó por todo el mundo y dicen que ahora vive en Logroño. Él simplemente dice que es “un culo de mal asiento” y no cree que haya “una ciudad talismán para salir adelante en la música”.
Empieza a finales de los 90 en los grupos Blackout, Mr. Wrong y The Los Nervios, con los que logra cierto reconocimiento. Colaboró con los Niños del Brasil asiduamente, como guitarrista, corista y hasta compositor. Con tres de sus cuatro integrantes (Nacho Serrano, Antonio Estación y Santi Rex) formó la banda For Vamps, donde experimentaron con el rock electrónico al estilo Nine Inch Nails. Todo termina cuando Jafi se marcha a Barcelona, ¿la razón de eso?, si él la sabe, no dice nada.
Después se mete como bajista (sí, también toca el bajo, por eso lo de poli-artista) y acompaña al argentino Federico Aubele en una gira que pasó por España, Alemania, Finlandia, Grecia, Hungría y México, una experiencia que para Jafi fue “irrepetible, porque el feeling de todos los músicos era el de una auténtica banda”.
En 2007 vendría “Ángeles y Demonios” con Niños del Brasil, un maxi que saca a la banda del ostracismo. Para Jafi esa podría haber sido la oportunidad de establecerse como el quinto integrante del grupo, pero no, decide dar el paso adelante y lanzar su carrera en solitario. Algo que él no ve con tanta trascendencia: “en verdad no hubo ningún cambio intrínseco, al fin y al cabo se trata de lo mismo: hacer canciones. Además, aunque el proyecto lleva mi nombre, siempre está presente Luis Javier Velilla (Alice) en guitarras, coros y teclados”.
Ahora tiene su primer disco bajo el brazo, aún sin nombre pero listo para salir: 13 temas de pop electrónico, con guitarras contundentes, letras simples y pegadizas. Un álbum producido por Juan Tormento y Luis Miguélez (Glamour to Kill, McNamara) y grabado en el estudio que tienen en Berlín. "Colaborar con otra gente puede resultar satisfactorio económicamente, pero lo más gratificante es llevar a cabo tu proyecto, tu sonido, tus temas. Es lo que es verdaderamente artístico al 100%”.
Jafi está contento pero no puede quedarse quieto: “ahora estoy con la salida del disco, sus presentaciones… se podría decir que de cara a la galería no hago otra cosa, pero en realidad siempre me ha gustado meterme en todos los “saraos” que puedo: llevo un tiempo trabajando con Davomat (DJ Dady), haciendo temas para pista pero que tienen mucho de pop o funky. Soy así, siempre ando experimentando con mucha gente”.

Rodrigo Conde

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Rodrigo Conde

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Crítica publicada en la página oficial de Mondosonoro.

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Rodrigo Conde

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Concursos de Poesía en el Candy Warhol


http://poesiaenelcandywarhol.blogspot.com/

La literatura late con fuerza en Zaragoza, sale de las bibliotecas y se sienta en el bar a tomarse unas copas junto al rock. El pub Candy Warhol lanza dos concursos de poesía bastante originales: En “La palabra en el Candy” los participantes deberán presentar sus poemarios de tema libre recitándolos en el mismo bar. Pueden acompañarse con “guitarras acústicas, bases programadas con cd, proyecciones, expresión corporal, teatro, etc.”, aunque eso no será un valor añadido, ya que sólo se juzgarán los textos. El premio será la publicación de la obra. También está el concurso “Poesía en el vino”, en el cual participan obras sin límite de tamaño “cuyo tema sea el vino en todas sus acepciones”. Se publicará un libro con una selección de los mejores textos y se entregará una escultura del artista José Azul como recordatorio.

Hay que recordar también que ya se lanzó el Primer Concurso Nacional de textos teatrales “Villa de Hecho” 2009, que finaliza el 5 de junio y cuyo premio es la publicación de la obra por parte del ayuntamiento.

Para participar de los concursos de poesía en el Candy Warhol escribir a :

poesiaenelcandywarhol@hotmail.com

Rodrigo Conde

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Festival Castillo de Ainsa 2009:
Rock y Cultura


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Este año en Huesca, el festival Castillo de Ainsa ofrecerá desde el 11 al 26 de julio un nutrido programa de actividades musicales y culturales de primer nivel. El festival apostó por la fusión, con un cartel que va desde el rock and roll, el rock urbano y el folk hasta el ska, reggae, música celta y el flamenco. Tendrá como cabezas de cartel al legendario Loquillo y a Macaco, con su mezcla de rumba catalana y reggae. También contará con figuras como Huecco, que traerá su fusión de hard rock y ritmos latinos, así como los Mojinos Escozios que harán reír y bailar a todos. Una de las rarezas será el grupo japonés Tokyo Ska Paradise Orchestra. Habrá conciertos gratuitos de Mayalde, los franceses Alain Giroux & J.L. Mahjun y del británico Graham Foster. Estará la impresionante banda tributo a Queen: Dios Salve a la Reina, también los rockanroleros de Tako y Distintas Razones, La Selva Sur, Lamatumba, Green Valley, El Tumbao, Dj Tupe, Plasma y Azero. Habrá noches dedicadas a la música zíngara, los ritmos celtas y el folk ibérico. También teatro, talleres, circo y actividades infantiles, principalmente a cargo de El Políglota Teatro.

Rodrigo Conde

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